Cine: Cine clasico para rememorar....

[Fer Reyes]

El Rey León es la trigésima segunda película animada creada por los estudios Disney. Fue estrenada el 24 de junio de 1994.
La película gira en torno a un joven león de África llamado Simba, que aprende cuál es su lugar en el "Ciclo de la vida"
luchando contra varios obstáculos hasta convertirse en el legítimo rey.

* * * * * * * * *



Simba, un joven príncipe cachorro; de león vive junto a sus padres los reyes Mufasa y Sarabi y su mejor amiga Nala.
Simba es el sucesor al trono, por lo que su tío Scar trata de engañarlo con el fin de quedarse él con el poder.
Con ayuda de las hienas, Scar trama un malvado plan para matar a Mufasa y hacer creer a Simba que él lo ha hecho.

Con la mentalidad de un niño, asustado y con sentido de la culpabilidad, Simba es ahuyentado del reino pensando que ha matado a su padre.
Perseguido por tres hienas, que tenían intención de matarlo por orden de Scar
Simba huye a la selva donde conoce a una suricata (Timón) y un jabalí (Pumba), que lo rescatan y adoptan y con los que rápidamente establece amistad.
Ellos le enseñan la filosofía de "Hakuna Matata" (vivir sin preocupaciones).
Mientras tanto, todo el mundo cree que Simba ha muerto, y es por tanto Scar el que toma el trono.




Años después, Simba, ya adulto, rescata a Pumba de ser comido por una leona que resulta ser Nala, su amiga de la infancia
que, sorprendida por ver que Simba vive, le ruega que vuelva a su antiguo reino para salvarlos del nuevo rey
Scar, que tiene el poder junto a sus secuaces las hienas.
El reino se ha convertido en un auténtico despropósito, mal gobernado y sin ninguna clase de recursos.

En un principio, Simba se resiste ayudarla, tiene miedo al pasado y prefiere seguir con su actual estilo de vida.
Pero luego, Simba conoce a Rafiki, un mandril, que le habla sobre su padre. Según Rafiki, su padre Mufasa todavía vive junto a él espiritualmente.
Mufasa se le aparece a Simba y lo convence de ir a recuperar su trono recordándole quién es y de donde viene.



A su vuelta, Simba lucha contra su tío Scar. Cuando Simba tiene toda las de perder, Scar le dice que fue él el que realmente mató a su padre.
En un ataque increíble de rabia y furia se repone y finalmente Simba sale victorioso de la batalla y es nombrado rey.
La película acaba con el nacimiento de Kiara por parte de Simba y Nala
dándose así de nuevo el Ciclo de la vida.



Premios y nominaciones:

* Premios Oscar de la Academia (EUA 1994)

Premio: Oscar a Hans Zimmer a la “Mejor banda sonora” y para Elton John (música) y Tim Rice (letra) “Mejor canción original” por "Can You Feel the Love Tonight".
Nominada: Oscar a “Mejor canción original” para Elton John (música) y Tim Rice (letra) por las canciones “Hakuna Matata" y "Circle Of Life”.




* Premios de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (1994)

Premio: Premio Anthony Asquith a “Mejor música de película” para Hans Zimmer.
Nominada: BAFTA Film Award a “Mejor sonido” para Terry Porter, Mel Metcalfe, David Hudson y Doc Kane.

* Premios de la Academia de grabación (EUA 1995)

Premio: Grammy a “Mejor composición específicamente escrita para una película o para la televisión” a Hans Zimmer por “Crimson Tide”. Nominada: Grammy a “Mejor canción específicamente escrita para una película o para la televisión” y a Elton John y Tim Rice por las canciones "Can You Feel the Love Tonight" y "Circle of Life".

* Premios de película de la MTV (EUA 1995)

Nominada: MTV Movie Award a “Mejor canción de película” para Elton John por la canción "Can You Feel the Love" y a Jeremy Irons a “Mejor malvado”.


YouTube - If We Hold On Together - The Land Before Time music

[Tuzki]

Esta película me encanta. Me encanta la escena que Mufasa y Simba están contemplando el reino, y cómo le dice: "Todo esto algún día será tuyo" me fascina esa idea para enseñarles a los niñ@s de hoy en día que pueden tener y conseguir lo que les pase por la cabeza. Es como llevar a tu hijo a lo alto del Empire State Building y decirle: "Hijo, todo esto será tuyo, si luchas por lo que amas".

Es Posible lo Imposible

[bejackson40]

YouTube - bambi espanol

todo un clásico de 1.942

[pussycontrol]

y mi comentario a los de estas pinículas es: ¡qué crack el Disney este ¿que no?!







Ah? ¡que diga mas? bueno, vale si me lo pides tu vale:
El cine de animación creo que no ha tenido tiene ni tendrá al menos en muuuuuuuuuuuuuuuuuucho tiempo un genio de la animación como ha sido "el tio Walt" ( bueno y toda la gran ( en el mas amplio sentido) troupe de artistas dibujantes, animadores, coloreadores, jejje asalariados a los que la leyenda negra-o no tan leyenda todo hay que decirlo-pudo llegar a explotar y llevarse luego él solito todos los honores. (En ese sentido creo que comparte bastantes paralelismos que con Berry Gordy...para mal)
Mas allá de este juego sucio lo cierto es que a la manera de aquellos hombres renacentistas supo crear una escuela de animación increible, de hecho la que mas.
Disney tenía tal factura de su animación que bien puede decirse que lo suyo en la era pre-ordenador era un "gremio de artesanía" d esta bella labor de crear maravillosos dibujos animados cuyo encanto hechiza y atrapa tanto a niños como a mayores (o al menos a los que han sabido/querido conservar algo del niño que fueron). Disney va mas allá de edades encandila a gente de toda clase, edad y condición es como nuestro Michael ( como todo lo verdaderamente grande) transgeneracional, internacional da igual aqui que en China en cualquier rincón del mundo es seguro que hay un fan-admirador al menos de este auténtico genio. Cualquiera que haya visto el Making of de Blancanieves habrá podido observar cómo trabajaba por ejemplo el tema del movimiento humano a partir de modelos idem con la vestimenta apropiada y de la ondulación de esta al moverse la actriz-modelo: es impresionante comprobar como siendo tan solo un dibujo este cobra la animación (¡hasta parecer viva!) total de tal manera que el espectador cree estar ante una persona real, ¡tal es la perfección alcanzada! sin duda alguna sus obras se encuentran entre las formas/expresiones artísticas-artesanales de altísimo rango.

Disney-el maestro-ha dejado el listón bien alto entonces, los que vengan detrás lo tienen muy muy duro.

Bueno tronki que ya me enrollao lo suficiente ¿o ké? Sino tengo que insertar moneda de nuevo, xd!

[bejackson40]

LAS 10 MEJORES PELICULAS DE CINE MUDO:

1. The General, de Buster Keaton y Clyde Bruckman (EUA, 1926). “Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad.
2. Metropolis, de Fritz Lang (Alemania, 1927). “Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas”.
3. Sunrise, de F.W. Murnau (EUA, 1927). “En 1929, en la primera edición de los premios de la Academia (aún no se llamaban Oscar), Sunrise ganó el galardón denominado ‘Best Picture, Unique and Artistic Production’. (…) Este impresionante poema visual, como era previsible, no tuvo el éxito de taquilla que se esperaba. A partir de entonces, la Fox limitó el control de Murnau sobre sus dos siguientes producciones. El director falleció en 1931, a los 42 años, en un accidente automovilístico”.
4. Luces de ciudad de Charles Chaplin (EUA, 1931). “De todas sus películas (con la posible excepción de Tiempos modernos), Luces de la ciudad ofrece la caracterización más completa del vagabundo. Sin familia, sin amigos o un lugar donde vivir, está parado fuera de nuestra realidad, a veces intentando entrar y a veces sin importarle la marginalidad. Como un niño, con un puro e inocente corazón y con los mejores motivos, se ofrece a la vida y a sus consecuencias”.
5. Nosferatu, de F.W. Murnau (Alemania, 1922). “El vampiro que muestra Murnau, en consonancia con el expresionismo, se aleja del vampiro de Stoker en sus rasgos físicos. El vampiro de Nosferatu es un ser horroroso, de craneo deforme, colmillos exageradamente deformes, ojos saltones y mirada amenazadora.
6. The Gold Rush, de Charles Chaplin (EUA, 1925). “La película integra de manera inteligente la comedia al drama en una crítica mordaz a la búsqueda de la fortuna y éxito fáciles. En ella, Chaplin se revela como un director innovador, capaz de prescindir totalmente de algunos recursos típicos del cine mudo (como los fundidos o fades entre escenas) en favor de una narrativa puramente visual”.
7. La Passion et la Mort de Jeanne d’Arc, de Carl Theodor Dreyer (Francia, 1928). “La interpretación de Renée Marie Falconetti en el rol principal posee una fuerza capaz de traspasar la pantalla y penetrar en el alma de los espectadores. Su rostro doloroso, ausente de maquillaje, es una de las imágenes más impactantes y bellas de la cinematografía mundial”.
8. Das Cabinet des Dr. Caligari, de Robert Wiene (Alemania, 1920). “La cinta es considerada como el primer filme expresionista de la historia, y destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante. (…) El expresionismo en esta película se funda en la interpretación subjetiva del mundo de los personajes, que se encuentran bajo el mundo real. Se enfrentan en los personajes dos conceptos diferentes: la imaginación y lo onírico frente al realismo”.
9. Bronenosets ‘Potyomkin’, de Sergei M. Eisenstein (Unión Soviética, 1925). “Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un cochecito de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre”.
10. Greed, de Erich von Stroheim (EUA, 1924). “En Avaricia se nos muestran los más bajos instintos que podemos experimentar las personas, y cómo, llevados a extremos infinitos, degradan y llevan a la perdición total a quienes hacen de ellos su razón de vivir”.

[bejackson40]

EL CINE EROTICO, el concepto de película erótica lo aplican sólo a las españoladas e italianadas de los años setenta. Un film que compagine el contenido tórrido con alguna pretensión artística ya no es una película erótica a secas, sino un drama erótico o un thriller erótico. Y si la peli es de gran calidad y se la quiere poner realmente bien, entonces, por mucho despelote que haya, será simplemente un drama o un thriller.

La otra opción sería considerar erótica a aquella película que, aunque plantee otras cuestiones o utilice elementos de otros géneros, se centra en varios o en alguno de los aspectos de la sexualidad, al margen de si los personajes practican el sexo bien o mal, , o si se limitan a hablar de él o incluso a pensar en él. Seguramente sería muy chocante para muchos el llamar eróticas a películas de qualité donde ni siquiera hay desnudos, como Sexo, mentiras y cintas de video de Steven Soderbergh, 1989) o muchas obras de Woody Allen, pero sería un concepto más amplio y más completo del género.

Breve Historia del Género

Durante muchos años no existía el cine para adultos; el cine era el entretenimiento popular para toda la familia, y lo que no fuera adecuado para los niños, sencillamente no se podía ver en la pantalla. Esta imposición de la mirada infantil convirtió al sexo en algo inexistente o reducido a su mínima expresión en el cine clásico
. Los contoneos de Rita Hayworth cantando "Put the Blame on Mame" en Gilda (Gilda, Charles Vidor, 1946), con un vestido ajustado pero nada escandaloso ni mucho menos, fueron las escenas más atrevidas del celuloide de los años cuarenta y lo más parecido al cine erótico que se puede encontrar en el Hollywood de la época.

Por supuesto, algunos directores muy hábiles eran capaces alguna que otra vez de subvertir las reglas de los géneros y convertir de forma velada la sexualidad de sus personajes en el motor de la historia: uno de los casos más famosos es Vértigo/De entre los muertos , Alfred Hitchcock, 1958), un thriller sobrenatural durante la primera mitad de la película, y un estudio del fetichismo y la necrofilia durante la segunda.

El gran director español Luis Buñuel en su cine mexicano era todo un experto en hacer melodramas a partir de las paranoias sexuales de los obsesos, como en Él, (1952) o en (Historia de un crimen/La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, 1955).

los años 70

El cine comercial siempre ha sido enemigo del erotismo; como le ocurre con la violencia, la política, la religión, y demás temas considerados espinosos, a veces lo utiliza para atraer al público, pero le da miedo llegar demasiado lejos y que la polémica pueda ir en su contra, así que suele limitarse a cumplir poniendo alguna escenilla estereotipada y casi metida con calzador.

[bejackson40]

Esto pasó con una famosa pelicula del año 1.974" ENMANUELLE" película erótica sobre los encuentros sexuales de la esposa de un diplomático en Bangkok. En su época provocó tanto revuelo como colas en los cines, Sylvia kristel fué su protagonista

[bejackson40]

El último tango en Paris (1972)


Bernardo Bertolucci desarrolló desde mediados de los años sesenta y durante todos los setentas una trayectoria tan precoz como fascinante, surgido de la generación de cineastas posterior a la de los grandes y personales autores del cine italiano como Rosellini, Visconti o Fellini, el joven Bertolucci supo extraer muy bien las inquietudes de su tiempo y añadirlas a su personal universo.

Lastima que la inspiración se le haya agotado en los últimos años pero ahí quedan sus perdurables joyas inimaginables en otro momento y lugar que el muy particular en el que se estrenaron. Last Tango in Paris es el paradigma de esto.

En los convulsos comienzos de los setentas una chica francesa común y silvestre amante de las utopías de moda (la emblemática Maria Schneider, símbolo de esa época de destapes) y un americano de mediana edad triste y confundido (Marlon Brando en uno de sus papeles más arriesgados y brillantes) comienzan una relación que pretenden libre en todos sentidos no saben ni sus nombres y solo se abandonan a todo gusto al sexo sin compromisos en un inmenso y derruido edificio en la ciudad luz, escenario de esta historia límite que con gran talento el director nos la convierte en una odisea existencial inolvidable.

Ya no hace falta citar el gigantesco escándalo que suscitó, puesto que mas que novedoso el desnudo, era el comportamiento en la intimidad lo que en su soltura todavía provoca alguna que otra sensación. Pero con envidiable maestría (ya no sorprendente en quien ya había realizado films notables como Il Conformista) Bertolucci desarrolla esta historia como caja de resonancia de su particular visión de esa época: La chica vive con el recuerdo del amor a su padre (militar, es decir conservador) y él vive atormentado por el recuerdo de su esposa que se suicidó.

[bejackson40]

Algo más cercano recordamos una mítica pelicula erótica del año 1.986.








"Nueve semanas y media" con Kim basinger y Mikey rourke

Drama. Erótico:

Una galerista de Manhattan inicia una apasionada relación con un misterioso hombre de negocios. Su atracción hacia él la llevará hasta límites donde el deseo se difumina en escabrosas variantes.... Él era Mickey Rourke, un actor interesante y con un poderoso atractivo cuya fama e imagen de sex-appeal prácticamente le arruinó la carrera.

Ella era Kim Basinger, una rubia espectacular que calentó medio planeta cuando "sólo" se dejó el sombrero puesto (ya sabeis: "You Can Leave Your Hat On", de Joe Cocker). En cuanto al film: no empieza nada mal, un paradigma del erotismo de diseño

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Año, 1.992; Instinto Básico
Michael Douglas.Scharon stone.

Thriller erótico, El antiguo cantante de rock y propietario de un nightclub de San Francisco Johnny Boz aparece brutalmente asesinado en su cama. La última vez que se le vió estaba acompañado por su novia, Catherine Tramell, una atractiva escritora de novelas de intriga de gran éxito profesional. El agente Nick Curran, que atraviesa por un bajo momento personal y que acaba de rehabilitarse de su adicción al alcohol y a las drogas, recibe el encargo de vigilar a Catherine, principal sospechosa del crimen.
Un punzón de hielo, un cruce de piernas y mucha intriga consiguieron uno de los grandes taquillazos mundiales de comienzos de los noventa

[bejackson40]

Insinuar más que mostrar. Dejar un ojo abierto y otro cerrado. Especular con el sexo. Así es el cine erótico. Una forma de plasmar el cuerpo, su sencillez, su imaginación, llegando a través de él a las relaciones entre las personas, al comportamiento de la sociedad, sus gentes, y rompiendo con el tabú de lo permitido.

[bejackson40]

[bejackson40]

VIEJO..... VIEJO..... PERO NO TANTO









El fin de la década trajo consigo el sonido, avance tecnológico que revolucionó el cine en muchas formas. Significó el final de carreras artísticas de muchos astros del cine mudo y el inicio de la hegemonía de los grandes estudios de Hollywood. Directores representativos: F.W. Murnau, Josef von Sternberg, Frank Borzage.

La gran depresión económica de Estados Unidos trajo consigo filmes donde su usó el escapismo y el sensacionalismo para llenar las salas. Ante los reclamos de la iglesia se establecen los códigos de conducta. Por contrapartida aparece el cine de "realismo social". La industria crea el "star-system" y la política de los géneros. Se inician las producciones musicales en sus diversas formas, siendo la más popular la comedia musical. Directores representativos: Frank Capra, King Vidor, John Ford, René Clair y Clarence Brown.

El color, que hizo su aparición a fines de la anterior década empieza a volverse muy común en las salas de estreno. Se perfecciona el uso del sonido. El "cine negro o noir" y las cintas bélicas son las producciones de la época. Para olvidar un momento la guerra mundial, los musicales siguen siendo el género favorito. Directores representativos: Orson Welles, Alfred Hitchcock, Howard Hawks.

Grandes avances tecnológicos. Se perfecciona el uso del color. Aparece el acetato de celulosa, reemplazando las películas de nitrato, solucionándose el problema de la destrucción de los negativos con el paso del tiempo y la combustión espontánea. Se inicia el uso de la banda magnética de sonido en película de 35 mm. La comunidad de cineastas de Hollywood se convulsiona con "La caza de brujas" produciéndose el veto de personajes involucrados con el comunismo. esto coincide con la decadencia del "star-system". Resurgimiento del cine francés e italiano (neorrealismo). La televisón causa el cierre de salas de proyección. Para contrarrestar esta situación se desarrollan los formatos panorámicos, proyecciones estereoscópicas y tridimensionales. Se generaliza el uso del zoom. Directores representativos: John Ford, Otto Preminger, David Lean y Elia Kazan.

[bejackson40]

l cine español arrastra desde su infancia un complejo que tiene que ver con quiénes han estado en su trastienda. Ahora se habla del divorcio existente entre nuestra cinematografía y el público. Pero el cine español, aun teniendo en contra muchos factores, ha gustado en muchos momentos de su historia.
Bien porque fuera el único medio de entretenimiento, bien porque suplía otras ausencias sociales, el cine español del pasado ha tenido un importante eco, y ha dado fama a un inolvidable grupo de actores que movilizaban a la audiencia y a los medios de comunicación.
Más allá de la factura de las películas, más allá de quienes eran sus productores, lo importante en aquellos años era vivir las peripecias de la protagonista, sufrir con la pareja de enamorados, llorar por la tragedia que ensombrecía el día de una familia...
Cantantes populares y grandes actores de teatro que se asomaron a la pantalla. Entre unos y otros fueron formando una suerte de mínimo y entrañable star system, que desempeñó, en nuestro pasado, una eficacísima función sentimental.
Al decirlo, pienso en talentos como los de Carmen Viance, Raquel Meller, Florián Rey, Pitouto, José Nieto, Juan de Orduña, Imperio Argentina, Estrellita Castro, Antonio Molina, Pablito Calvo, Joselito, Marisol, Raphael, Alfredo Mayo, Amparo Rivelles, Manuel Luna, Miguel Ligero, José Isbert, Ana Mariscal, Fernando Rey, Francisco Rabal, Sara Montiel, Concha Velasco, Tony Leblanc, Alfredo Landa, José Luis López Vázquez y Paco Martínez Soria. Y me detengo aquí, porque la nómina de actores y actrices se me antoja inagotable.
engamos clara una certeza: con el inicio de la transición democrática, y en virtud de los nuevos temas que desde entonces aborda el cine español, el espectador habitual empezó a alejarse lentamente de su propia cinematografía. Ello, lógicamente, plantea una duda. ¿Por qué el fin de un régimen totalitario coincidió con la decadencia de nuestro cine? ¿Qué hicieron mal los nuevos responsables del sector?
Las razones son muchas, y luego las iremos analizando con profundidad. Además de aspectos sociales que influyen en la dinámica familiar, está claro que a ese espectador veterano –el que ha mantenido el cine español hasta el filo de los años ochenta– no le interesan demasiado esas nuevas tramas a las que ahora estamos acostumbrándonos.
Por su parte, los profesionales del cine quieren acercarse al nuevo espectador como mano al clavo ardiendo porque, en una mayoría de casos, no son capaces de contar historias sugerentes y universales.
Y es en este punto donde surgen los problemas

[bejackson40]

YouTube - HISTORIA DEL CINE ESPAÑOL EN BLANCO Y NEGRO